Fotografía y Pintura

En las obras del artista polaco Slawomir Elsner, emergen diálogos entre la fotografía y la pintura, generando una plasticidad de carácter proyectual, a medio camino entre el dibujo y el azar, evocando con un tono apersonal, la deslumbrante belleza catastrófica de lo cotidiano.

Su serie "Windows of the world", lo componen obras pictóricas basadas en fotografías tomadas por él mismo, del "Wolrd trade center "en 2001:

La peculiaridad de las tomas, reside en el hecho que fueron tomadas en el interior del ahora inexistente club americano "Windows on the world", situado en la planta 107. Así, entre lo documental y lo personal, lo público y lo privado, la obras toman cuerpo en la memoria colectiva.

"Kilotiny" 2005, la componen una serie de dibujos basados en fotografías militares en recuerdo de las pruebas nucleares tomadas por la armada estadounidense desde 1940.

En la serie "Landscapes 2003", hallamos de nuevo un fuerte calado político, en la variedad de fotografías de prensa, que previamente selecciona, con motivo del ataque de las tropas americanas a Iraq.

Del mismo modo, el dibujo se sitúa como protagonista en "My country" 2004´. Series en las que el grafito y el color reproducen fotografías de prensa, rememorando el incendio cerca de Los Ángeles que destruyó cientos de espacios reservados.

"Panorama 2006", son una docena de pinturas basadas en imagenes procedentes de la revista de ilustración "Panorama" 30 años atrás (1976), fecha de nacimiento del artista.

Al aprovechar los fallos técnicos en la impresión de las fotos, baja calidad, junto a ciertas técnicas pictóricas, genera una leve distorsión de las representaciones, granulando la imagen hasta desgastarla, evocando su permanencia en desuso.

"Paintings 20055", la componen fragmentos de pinturas instintivas que yacen en la corrosidad de una pared, los vacíos de su descascarillado y la informalidad urbana como trazos de las marcas de sus transeuntes en "Old street" 2005.

http://www.maisterravalbuena.com/

"Untitled 39 (U beaty)" 2004, una de las pinturas que recuerda el valor

estético de la efímera arquitectura propia de los kioskos polacos.

Energía cinética hecha danza

Ana cembrero Coca, Valencia 1983, directora y coreógrafa, despuntó en San Petersburgo 2006 con su primera obra "Caja de música" justo al acabar la carrera de Bellas Artes y Animación en la San Carlos de Valencia.

En 2008 fue a Bruselas, donde junto con Jorge Piquer desarrolló un colectivo artístico denominado "Laignorancia.com", del que afirma, "No es una productora, pero tampoco es una compañía de danza. Es interdisciplinar", convencida de que "el futuro de la danza, para que llegue a todo el mndo, y sea accesible desde cualquier punto y espacio, será multimedia".

"Cinética" fue descrita por un miembro del jurado del Dance of Camera como "un poema cinematográfico que coloca a las mujeres bailarinas en una atmósfera surrealista, natural e íntima con una belleza misteriosa y un sentimiento inexplicable".



"Le corps encerclé" 2007, fue una de sus colaboraciones bajo la dirección de Mathilde Troussard, en la que trata la noción cuerpo-intervalo entre cuerpo psíquico y cuerpo virtual e interroga sobre la intimidad del cuerpo informe a través de sonidos y de la interpretación de éste por el espectador.



Vemos un cuerpo hecho de sensaciones, texturas, olores, elasticidades, maleabilidad, entre gestualidades minimalistas, al servicio de un pensamiento y de una movilidad características de la propia bailarina.


Este estatismo de calado onírico guarda estrecha relación con Robert Wilson(1941), artista multidisciplinar cuyas coreografías, inspiradas en el teatro oriental, generan una puesta en escena donde la velocidad de cada movimiento queda suspendida en una pausa que avanza relentizada hacia el intento de posibilitar un silencio lleno de movimiento interiorizado.





Así mismo, la orda surrealista que envuelve su puesta en escena, con obras tales, "Fausto"2008, "Persephone", 2001, "Poetry" con Lou Reed 1997,"Shakespeare" 1985, "Einstein on the beach" 1976, "The civil wars" 1984, "Hot water" 2000, "Madama Butterfly", entre otras, que generan un diálogo directo, vinculando imperceptiblemente una mínima gestualidad a cada nota musical, parafraseando el silencio de la mímica mediante cuerpos teatralizados entre colores y alurdes, emergiendo al espectador en el interior de un cuadro surrealista donde el minimalismo prima en completo.






"El martirio de San Sebastián" forma parte de una de sus óperas, en la que de nuevo vemos una constante en sus obras, cuerpos dionisíacos, andróginos, seres informes, enmascarados, mitologías cuestionadas, tabús desencajados, la primacía del "menos es más", en este caso, bajo la maestría de Debussy.

Lo absurdo de la realidad con sentido del humor.

"Si se puede definir el humor como algo capaz de poner en cuestión lo establecido y reflejarnos lo absurdo evidente de nuestra realidad, algo capaz de cambiar la hiperseriedad de nuestras actitudes para hacernos llegar, con ello, a la verdadera madurez del razonamiento, no puede negarse entonces el sentido del humor que, inteligentemente planteado, caracteriza el trabajo del artista austríaco Erwin Wurm."



"Alguien dijo en una ocasión que el humor es una afirmación de la superioridad del ser humano ante las otras criaturas del planeta. Lo que es cierto es que el humor es una de las terapias más inteligentes, que nos inmuniza ante el peso de la previsible cotidianidad, poniéndonos en alerta sobre cómo nos tomamos la realidad demasiado en serio. El sentido del humor nos permite siempre poder pensar, como decía Malraux: "Tout peut toujours être pire" ("Todo podría siempre ser peor").







"La obra de Wurm (Bruck/Mur, 1954) ha sido definida en ocasiones como conceptual, relacionándola con diferentes lenguajes alternativos, debido quizás a la variedad de medios que este artista utiliza (vídeo, fotografía, accionismo), así como a la peculiaridad de algunos de los materiales a los que recurre (desde bolígrafos o pepinillos hasta ropa usada). Sin embargo, un análisis detallado de su trabajo nos desvela una obra de carácter eminentemente escultórico -en su mayor parte- y que se define por una serie de "categorías" siempre presentes, planteadas no de manera aislada, sino correspondiéndose entre sí cual una red de causa-efecto-causa."

¿Cómo ser políticamente incorrecto...?






"Instrucciones para la holgazanería"2001, entre las que se incluyen las propuestas Fantasea sobre el nihilismo, Quédate en pijama todo el día, o Muéstrate indiferente ante todo; "Esculturas de un minuto",



"59 posturas, vídeo 1992", "cara, mil retratos, 93-94 entre otras obras, muestran las múltiples posturas y contorsiones de un cuerpo performado en su descontextualización. Acciones que estrechan lo serio con lo absurdo generando una dramaturgia cercana a lo onírico, en consonancia con la ironía existencial del Teatro del absurdo de los 40-60, más allá de cualquier lógica preestablecida.

"La dialéctica entre vacío y materia, las posibilidades intrínsecas de los materiales, el diálogo entre escultura y objeto no escultórico, el cuerpo como soporte y la idea de transformación; estas "categorías" escultóricas están prácticamente siempre presentes en la variada obra de Erwin Wurm, aunque la finalidad de su planteamiento sea la de llevar al límite sus significados y poner en cuestión la "categoría" misma -¿la más esencial?- que define la escultura como lenguaje artístico clásico: su propia perdurabilidad."

(Extracto entrecomillado procedente de la Revista Internacional de Arte, Lápiz nº 215 julio 2005.)

Con una seriedad más afianzada se posiciona la obra de John Coplans, crítico de arte, comisario, y redactor de revista, lanzó Artforum por querer mostrar su prerrogativa ante la visión antiintelectual del arte del departamento de La Universidad de California en Berkeley donde estuvo trabajando).






A los 60 años, Coplans erigió su trayectoria personal hacia la creación plástica, expresada en una serie de autoretratos fotográficos que muestran cierta consonancia abyecta con la obra de Wurm, pero de una visceralidad mucho más cruda, donde el rostro subyace ante un cuerpo desfragmentado apenas reconocible, contrapuesto al entendimiento cartesiano, que lidia con el "Teatro de la Crueldad" de Antonin Artaud.

Frena el Estado Gran Hermano.

"The big brother state" es una película educativa, basada en qué proclaman los políticos para ser los protectores de nuestra libertad, y a qué nos referimos en cuanto a legislación represiva.

Desde que el terrorismo llegó a un teatro global, especialmente tras el 9/11, los gobiernos de todo el mundo comenzaron reforzando las leyes, las cuales, como los governantes dicen, deben incrementar la seguridad nacional. Estas leyes, obviamente van por otros derroteros: Los estados ganan más y más control sobre sus ciudadanos y sobre el coste de su privacidad y de su libertad.

Siguiendo la posición crítica de obras como "Vigilar y castigar" de Michel Foucault, la invención del "Panóptico" por el filósofo Jeremy Bentham, y con mayor imprenta, la obra de George Orwell "1984", que fue la que acuñó el término Gran Hermano que más tarde pasaría al lenguaje común de la crítica de las técnicas de vigilancia modernas, este corto regenera el discurso de un modo más cercano al imaginario colectivo, ya sea por el uso de la imagen, combinando texto y dibujo o la disposición del propio discurso de un modo menos denso, más rayano a lo cotidiano.



David Scharf es un joven director de cine de Alemania, especializado en cine animado. Con este film, ganó en 2007, el premio de "EmrgenandSee Fstival" de Berlín.

Otra de sus creaciones es "The Forest", trabajo final de la Facultad de Diseño Gráfico de la Universidad de Ciencias aplicas de Ausburgo.

En este vídeo puede verse el microuniverso de una niña de 12 años, envuelta en una vacuidad de la que necesita desprenderse. Entre sucesiones de eletroshocks

Dominoes, "Marca la diferencia."

La agencia de diseño "Bostock and Pollit" contrató a Wyld Stallyons para crear esta animación con el hálito de insuflar energía a la gente. En colaboración con los directores Yann Benedi y Celine Desrumaux, el escritor del corto es Jason Arber y Chris Sayer, mientras que la música corre a cargo de Paul James (Wafer Audio).

Frente a la realidad del cambio climático, más acusado que nunca, "The World Wildlife Fund" (sin caer en la equivocación de relacionarlo con la turbia asociación de network "make the difference"), quiso hacer ver a la gente cómo su opinión puede realmente marcar la diferencia. La idea surge del efecto dominó, ilustrando el punto con nuestro protagonista, Colin the Campigner, como si de una cadena de favores se tratase.

Mientras transcurre su vida diaria, Colin es consciente por sí mismo qué quiere expresar. De este modo, por el simple hecho de escribir/transcibir, Colin y otros como ellos pueden provocar una profunda reacción en el ancho mundo.




Una muestra que prueba la importancia del cambio de prisma posible para hacer frente a situaciones adversas, y como esta mirada caleidoscópica puede mostrarse a tu vecino de "al lado", ese, que inmerso en el frenético ir y venir de la ciudad es capaz de relentizar sus pasos y pararse a mirar de veras qué ocurre a su alrededor, por que, haciendo referencia a Italo Calvino, las verdaderas ciudades son invisibles a los ojos, "Las ciudades invisibles".

Memoro

"Memoro: The Memories of the Future", es un proyecto "The Scientific DNA of Piedmont", dedicado a recolectar y divulgar grabaciones cortas de vídeo de entrevistas espontáneas con gente nacida antes de 1940. La iniciativa comenzó en la región italiana de Piamonte y se ha extendido por toda Italia, España, Estados Unidos, Alemania, Francia y otros países.

Pese al dudoso carácter mediático y sensacionalista de "Memoro", cabe mencionar la ingeniosa realización del vídeo promocional del proyecto, a manos, (nunca mejor dicho) de Donato Sansone, Enrico Ascoli y Daniela Giuffrida.



Siguiendo el método artesanal que configura la obra de Donato Sansone, el resultado es una obra de animación donde el dibujo reconstituye su estatuto frente al bit, conciliando una disciplina que en plena era de reproductibilidad técnica pierde tacto directo sobre el papel.

De este modo, dibujo y memoria entretejen subjetividades, rescatando esas pequeñas visicitudes que conforman la voz propia de cada persona, de un modo parecido al reciente proyecto entretodospodemos.com. y el programa informativo de la cuatro, "Callejeros".

En blanco y negro.

Erik Rosenlund 1975, empezó su incursión como ilustrador y realizador de cómics, hasta, a base de errores y experiencias, dar con el quid de su quehacer artístico. Así comenzó sus estudios en Colegio universitario de arte de Konstfack y Arte y diseño en Eksjö, Suiza. A partir de ese momento, se adentró en el mundo de la animación, con su primera obra "El Lado Oscuro De La Mañana", una comedia negra expresionista, en la que el claroscuro juega con la escala de grises, a conformar un despertar tórdido y satírico tiznado de un humor negro, donde la falta de color no suple una leve sonrisa.



"Compulsion" constituye su segunda obra de animación, premiada en el festival de Cannes de 2003.







En su tercera película, "Butler" continúa la estela de su estilo visual inspirado en la naciente 20th century art, esta vez, entremezclando una cantidad considerable de motivos de art nouveau.






"Lookin Glass", 2007, supone un retorno al estilo de "The Dark Side Of The Morning", pero esta vez tratando las imagenes de un modo más rápido, dando hincapié al fondo y las sombras. El resultado es un espectral juego de contornos blancos sobre un denso fondo negro que recrea el onirismo implícito en lo relatado, enunciando una oscura bienvenida al universo "Rosenlundiano".

Entre la escultura y la performance.

Estratifiquémonos en la pregnancia de la dimensión, donde tiempo, aceleración y cambio, accionen de pies a cabeza. Considerado un payaso por unos, un gurú del arte contemporáneo por otros, Roman Signer comienza su trayectoia artística en los 60 establenciendo un diálogo entre elementos tan volitivos como el agua, el aire y el fuego, sustrayéndoles sus posibilidades escultóricas. ¿De qué modo materializar lo inmaterial? Rayano al arte póvera, en desacuerdo con el Land Art, recupera la instantaneidad que le ofrecen los objetos que previamente escoge, tal como un objecte trovè, exponenciando su significancia descontextualizada. Fotografía, vídeo y grabaciones en Super-8 son los soportes que determina como vías transmitivas de sus obras.



http://www.youtube.com/watch?v=M3txotMZxX4&feature=related