jueves, 15 de abril de 2010

Luz, sonido y sombra.




Centrado en los ámbitos de la música, el vídeo y la performance, Tony Conrad, sitúa su quehacer en el rebasamiento de las premisas propias de cada ámbito artístico soslayándolas en planos secuenciales que regeneran un híbrido discurso lleno de acción, ritmo, sonido, proyección y acústica balbuceante mediada entre zumbidos repetitivos, largas duraciones , amplificaciones y tonos precisos, ( Eternal Music), siendo considerado uno de los primeros compositores-performe minimal de los 60.






Con su emblemática obra "The flicker" (1960), generó el llamado Cine estructural.


Mediante sus solos y colaboraciones con músicos embrollados en la mescalina artística de la ciudad de Nueva York de los 60, La Monte Young, John Cale, Angus MacLise, Marian Zazeela o el grupo Faust, logró un eco artístico de tal repercusión, que alcanzó a una amplia generación de artistas desde el pop hasta la vanguardia.





En la misma década formó junto con los artistas citados, el experimental "Theater of Eternal Music," también conocido como "The Dream Syndicate", caracterizado por hacer sólo uso de la entonación y el sonido para producir lo que el grupo llamaba "Dream music".





video


"Para mí, la música y el arte sólo fracasan cuando no saben pasar a través de los espacios no políticos y territorialmente fuera de la ley. El trabajo de un artista es descubrir leyes para violar lo que todavía no ha sido hecho. Recuerdo formando el concierto de Stockhausen con Henry Flynt en 1964. Un montón de artistas estaban dentro pariticipando en el evento."


"L a principal convergencia, en términos del orden simbólico cultural del Este, fue John Cage, en los 50, quien cambió la composición de la música más forzadamente a escucharla. Y como esto pasó, los 50 vieron la erupción del consumismo del rock'n roll."


"Fuera por lo que fuera, el rock'n roll se situó, por su sonido, frente a la música pop, una música mucho más simplificada y audible. En otro universo, el rock'n roll puede haberse llamado "minimal pop". Entonces, quizás lo más importante, la tecnología de la grabación, y las economías de la industria de la música, empezaron a hacer practicable y posible el escuchar más sonidos que hasta nunca. Esto sólo fue en la década de los 50, en la que empezamos a ver LP records de música de otros tiempos y culturas, jazz extraño y algo de música avant-garde, todo accesible para cualquier consumidor con suficiente apetito."








"Nuestro "Dream Music" fue un esfuerzo de de congelar el sonido en la acción, de escuchar alrededor dentro de las arquitecturas del propio sonido.
Tiene algo que ver con la composición, desde que proviene de un comentario en el espacio temporal del compositor, en relación con su sonido. Anunciamos que el compositor debería situarse dentro del sonido, para entonces hablar, y trabajar con esto como una continuidad plástica extendida en el tiempo a lo largo del mismo curso, y en la misma paz, como el oyente."






video





"E s bastante diferente a improvisar un tono, o usar variaciones improvisadas para elaborar
modelos de sonido. Aquí el mensaje no tiene que ver con la indeterminación, ni con la inmediación, pero sí sobre el control de los verdaderos sonidos que hay en tu entorno, y el proceso de composición, como los intereses de crecimiento a largo plazo dentro de la complejidad del sonido".




http://tonyconrad.net/interviews.htm



C ambiando de sintonía pero conservando una similar entonación, alza la voz el artista japonés Paul Chan.



De un modo similar al hacer del ya mencionado Tony Conrad, acude a la proyección de sombras en un alegato performativo que combina dibujos en carboncillo con collages y trabajos digitales, generando vibraciones espectrales de talante onírico.







Lo podemos ver en su obra "Lights and drawings", la cual según afirma trata de la luz extinta, simboliza la tensión entre la luz y la sombra, dualidad presente en todas sus obras.

El trabajo se presenta en un formato de 7 luces, resueltas y proyectadas en diferentes formas y colores. Un video despues del Corte.


video


Es co-fundador del movimiento artístico “IndyMedia” donde desarrolla arte y activismo. Cree que el arte y la política están en diferentes categorías funcionales, lo que se muestra muy bien en su vasta filmografía.


En el documental “Bagdad in no particular order”, muestra con su genial creatividad, el modo de crear cuadros pictóricos a través del vídeo, performando la propia cronología de la película en el transcurso de un cuadro tras otro cuadro.


http://www.elpais.com/articulo/Tendencias/Paul/Chan/explorador/presente/elpepitdc/20080915elpepitdc_2/Tes

"La idea de la belleza es la cualidad de las cosas que evocan otras insoportables, porque la belleza está conectada con lo que no queremos mirar".


Con esta idea de belleza, ligada a la crudeza de la realidad más cotidiana y honda de nuestro entorno, lanza las premisas de sus obras hacia una vertiente más bien política y contestataria. Legado de su narratividad está la literatura de Beckett, y la Escuela de Francfurt, entre otros.




"En los días previos a su muestra 2008, empapeló la ciudad con carteles en los que se podían leer frases como: "Tú piensas que las cosas terminarán: y será sólo el principio". Algunas de las palabras aparecían tachadas, de modo que, con las que quedaban limpias, también se construían frases de aire más onírico o surrealista. "Las palabras son importantes y escuchar es una forma de hablar", afirma Chan, que devora la obra de Beckett, Ionesco, Gertrude Stein o Adorno.



"Durante su adolescencia le marcó un montaje de Esperando a Godot hasta tal punto que años después decidió llevar a Beckett hasta un lugar donde la espera se convirtió en pesadilla: Nueva Orleans, donde tras el huracán Katrina la gente tardó días en ser rescatada. "Visité la ciudad después del huracán y creí necesario situar la obra en ese contexto. No me interesa hacer teatro, sólo me interesaba la experiencia de hacerlo allí. Descubres que todos podemos convertirnos en supervivientes en pleno siglo XXI".





Dos de sus controvérsicas obras en torno a la falsa moral política estadounidense son "Now Let Us Praise American Leftists", y "Baghdad in no particular order".







"C uando los activistas del 68 abandonaron las calles y se pusieron a meditar y hacer yoga no significaba que se hubieran rendido. Sólo buscaron otro lenguaje. En este momento puede que no reconozcamos el lenguaje de la última década, pero han nacido muchos movimientos. Hay comunidades digitales y cientos de cosas ocurriendo en Internet. Es la parte positiva de la globalización. Formalmente las fronteras han muerto".





Respecto a la miríada que sigue su obra y su situación como activista, confiesa desdeñar la relación entre arte y activismo:



"La creación artística es incompatible con el activismo".

sábado, 3 de abril de 2010

Sin palabras






Coreógrafo y videoartista, Philippe Decoufflé, se sitúa en la línea fronteriza de la video danza, inspirado por la poética del silencio propia de la mímica, la exposición a la levedad de la acrobacia y la pantomima circense.



Estudia la óptica y el movimiento en los ateliers de Merce Cunningham.
Influenciado por Schlemmer y The Nicholas Brothers, el rock y los cómics, tuvo maestros de la talla de Marcel Marceau y Alwin Nikolais, congeniando en sus obras realizaciones de cine, espectáculos como venidos del mundo del circo y un tratamieno de la imagen cercano a la publicidad, donde trucos visuales y efectos especiales ayudan a generar la imaginiería que lo caracteriza.


Coreógrafo, bailarín, realizador de cine, artista de circo y publicista, creó obras tales como "Shazam", "Decodex", "Triton", "Cyrk 13", además de campañas publicitarias para Dior, Polaroid, etc.


video






En los orígenes de su obra Iris está el descubrimiento por parte de Decouflé de la medicina china y de su cartografía de los órganos, atribuyendo a cada uno de los bailarines "roles" a desempeñar identificados en su vestuario, objetos portantes o en su gestualidad. Aquí danzan los pulmones, los riñones, el bazo, la vesícula, el intestino delgado y el grueso, el corazón (es conocido cuán perseguido está el autor por la idea de la enfermedad y de la muerte).





Las dificultades en la narración por parte del coreógrafo logran superarse con el auxilio del video y las proyecciones de scanners que atraviesan y cortan los cuerpos que se entregan vertiginosamente a un baile de movimientos fluidos y abstractos llevados al limite de lo posible, cuya elasticidad en las articulaciones aparenta ser inverosímil.



¿Acaso conocen lo que es la fuerza de la gravedad? Es un espectáculo que logra armonizar con una técnica implacable lo dramáticamente fúnebre con los "gags" de unos payasos que provocan un risa sin fin. Pero sin la música, la guitarra y la deslumbrante voz de la cantante-compositora Claire Touzi, más conocida como Terzi, esta "fantasía austera para un mundo en desorden" no alcanzaría la cumbre.


video



Definen su nuevo espectáculo como una comedia musical a ritmo de blues. Pero el blues es una música más bien triste.– Iris rezuma un cierto sentimiento de melancolía. Y se puede apreciar tanto en la danza como en la música. – Ha subtitulado Iris como una “fantasía austera para un mundo moderno en desorden”, pero conociendo sus anteriores espectáculos se hace difícil pensar que Iris sea ciertamente austero.




"En comparación con las piezas que suelo crear, Iris es más austera, pero no tanto. Sí que es cierto que este espectáculo destila una especie de tristeza ."




¿Considera que este “mundo moderno en desorden” precisa de la austeridad?





"No es una cuestión de necesidad. Esta austeridad se impone lo desee uno o no lo desee. Al escuchar y mirar el mundo que nos rodea es lógico sentir una incapacidad para lograr intervenir de manera eficiente, para lograr aliviar el dolor que pesa en la humanidad, ya sea a causa de las guerras o de la pobreza. Y, precisamente, es esta incapacidad la que me provoca una carga de melancolía. Quizás este sentimiento está motivado porque soy consciente de los límites de la poesía frente al desorden del mundo actual."




http://www.remiendoteatro.com/Notas/Philippe%20Decoufle.htm



video


"Siempre he querido introducir el mundo del circo en el universo de la danza, mezclar el movimiento y el juego teatral, jugar con las imágenes. En Iris hemos trabajado a partir de jugar con imágenes filmadas de nuestros bailarines actuando en diferentes espacios públicos de Japón y con la danza en directo sobre el escenario. "




Inserto en la Escuela de la Bauhaus (Alemania 1919), Oskar Schlemmer apostó por hacerse cargo del Taller de Teatro, donde logra acceder a una representación metódica de nuevos conceptos y reflexiones, sobre la relación del hombre con el espacio a partir de un análisis geométrico de las formas corporales y de los movimientos de éste.

















Esta tarea fue posible en consonancia con los presupuestos de la Bauhaus, gracias al uso de nuevos materiales de construcción, formas y lenguaje altamente geométricos, nuevas ideas sobre el diseño y el color enfocadas a abrir las fronteras discursivas, imaginar cuerpos re-formados, re-diseñados, re-construidos, conceptos innovadores sobre habitabilidad, espacios en movimiento y por ende el planteamiento de nuevas estructuras sociales.




Baile triádico fue una de la primeras puestas en escena. 12 obras de pequeño formato transcurren a lo largo de varias horas, en el sucederse 18 cambios de vestuarios e iluminación.



El resultado fue una ruptura con la idea de escena clásica, que duró en cartelera más de 10 años.





Luces, colores, sonidos, espectador, espacio, figuras, hibridación, cuerpos envueltos en una geometría estrambótica donde el vestuario define la forma del cuerpo, mediante nuevos materiales en el diseño de los trajes, perspectivas diagonales, geometrías, composición y movimiento inusuales, en el intento de fotografiar de forma apresurada los sucesos más importantes de la época:

La industrialización del trabajo, la reducción de los espacios sociales, laborales y privados, la nueva forma de producción serializada...trazando una nueva perspectiva cultural donde prime el surgir de nuevas subjetividades y espacios tal arquitecturas reflexivas.


video






La coreógrafa francesa Regine Chopinot con su compañia Ballet Atlantique, toma los ritmos de la naturaleza, las formas geomórficas del tiempo dentro de una danza de teatro contemporánea, generando obras de gran simplicidad en torno a elementos básicos naturales, inmersos en las lentas meditaciones a tiempo real de las estructuras y procesos de la naturaleza.




"Végétal"1995 y "La danse du temps"1999, son dos obras en las que colaboró con el escultor británico Andy Golsworthy.



"Creo en la danza más que en otras formas de hacer teatro. La danza es más escultural, el kit del cuerpo, más abstracta, la esencia del movimiento. Mi trabajo es un modo de crear una energía que esta ahí. Regine genera el movimiento, aparece como si una fuerza externa lo provocara, alguien que sabe conllevar "la mente de la danza" que la controla. Esto para mi es la esencia del movimiento".-Andy Goldsworthy-.




video


"Végétal" está compuesto de 5 partes, en cada cual el baile incorpora la creación de esculturas envolventes usando materiales del mundo natural, en movimientos situados entre la coreografía y la espontaneidad.

El escenario está circunscrito por los pasos lentos del propio andar de Chopinot, marcando un tiempo real.




"El ritmo de la respiración es un despertar gradual, balanceado, de un lado para otro, inhalando y exhalando, el cuerpo perdonándose y enterneciéndose."


"La piedra me ha mostrado algunas cosas sobre la estructura del crecimiento. He encontrado un energía en la piedra que puede ser mejor descrito, como una semilla que se convierte tensa como su réplica. A veces sólo necesitando el más brillante de los contactos para hacerle explorar y disperar sus partes. La precariedad del balanceo de la columna es como la fina arista entre la acción y el fallo, la tensión del crecimiento."



"Metódico, armonioso, la madera encuentra su lugar y me desplaza en sus anillos. Como mi abuela decía, trabajar es hacer lo inhacible. Végétal es el trabajo con madera. Madera es un elemento energético que se extiende sobrepasándome, pasando a través de mi, construyéndome. La memoria en mis celdas de los gestos que forman mi cuerpo de bailarin".



"Corografié "Leaf" como una escultura, con la energía de los bailarines como material. En un estado tormentoso, el cuerpo acepta el viento, es una mirada abierta hacia dentro. Torbellinos de cuerpos en círculos, cambiando hasta que caen. El árbol és desnudo, pierde su follaje, vuelve dentro de sí mismo. Completo."


La obra "La Danse du Temps", es una meditación sobre el tiempo y las simbólicas asociaciones con el agua, a través de años y generaciones, alteración, pérdida y renacimiento. El trabajo se compone de 3 partes:


video
El tiempo humano en la tierra, el tiempo del universo, el tiempo perdido, olvidado o ausente. La imagen del río y las percepciones del tiempo están constantemente presentes en todo el trabajo de Chopinot.

El río inspirado en Ton-That Tiet para volver a la música y los sonidos de su nativo Vietnam, de vuelta al río de los perfumes y las canciones de los barqueros en su infancia. Su resultado se refiere a los 3 tiempos, el lineal, el cíclico y el no tiempo.

El río inspirado en Andy Goldsworthy para crear el río sedimentado en el escenario del juego. La película de Goldworthy para generar este río es proyectada en el escenario. En la película, una pared de barro fluye para revelar el alma serpentina del curso del agua. Esta imagen dibuja la esencia del tiempo a través del proceso lento de su agrietamiento.


"Andar, correr, saltar, caer, trances y movilidades para crear una danza primaria, un trabajo en ritmos y entrecruzamientos de un modo a otro."



"Estoy profundamete interesado en como el cuerpo de los bailarines pueden portar la mayor de las expansiones que existen entre el tiempo real y la experiencia de la performance, situando la audiencia en una distinta percepción del tiempo, tanto que no son conscientes de si acaban de ver la performance hace 3 horas o sólo hace un segundo. Esta inconsciencia del tiempo me fascina."







Merce Cunningham, coreógrafo y bailarín estadounidense de danza moderna, lider del vanguardismo en la danza de su país, estudió folclore, claqué, bailes de salón y ballet. Conoció y trabajo con el compositor John Cage constituyéndose binomios fundamentales de los 60 y 70.



Por Cage, introdujo la filosofía zen en sus trabajos, el poder del azar , la importancia del movimiento al márgen de la música.
video

Colaboraban con compositores contemporáneos y con pintores vanguardistas como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Frank Stella.

Algunas de sus creaciones son "Suite por azar", 1952, "Cómo pasar, puntapié, caer y correr" 1965, "canfield" 1969. "Duetos" 1980, "Canales insertos" 1981 y "Entradas 2" 1984. alumno de martha graham.



"Mi vida ha sido una búsqueda constante de maneras de mirar y encontrar nuevas formas en el movimiento" afirmó Cunningham En 1955, Cunningham escribió en su libro The impermanent art que la devoción por bailar "no es otra cosa que un instantáneo y agradable acto de vida",



video
































Explorador del movimiento "Root of an unfocus". Siguieron juntos más de cincuenta años, en un trabajo vital y enorme que abarcaba el experimento radical, el uso del silencio, la serialidad, la introspección especulativa y la multiplicidad de puntos referenciales en el espacio y en el tiempo. En 1944 crea "Four walls", que incluye textos y diseños de Arch Lauterer. Su primera pieza con un compositor moderno francés fue Idyllic song (Eric Satie).




Compositor, diseñador, coreógrafo y bailarín estadounidense, Alwin Nikolais, influenciado por el expresionismo alemán, centró su aprendizaje en el constante experimentar.



video




Inscrito en la danza moderna americana, fue el creador del llamado "Teatro total", en el que sonidos, colores, formas y gestos ritualizan el ademán acompasado de los bailarines.



Obras como "Masks, props and mobiles" 1953, "Caleidoscopio" 1956, "Structures" 1970, etc. autor de un sistema de notación coreográfica llamado "Choroscript" 1957.




Trabajó como pianista de teatro y titiritero antes de estudiar danza moderna, hecho que influyó en la caracterización de las escenografías de sus obras, tales como "Tensile involvement", 1953; "Props and mobiles" 1953.








bailarines con bolsas como vestuario para descontextualizar sus cuerpos y tornarlos abstractos al espectador, situándose como el precursor del concepto de descentralización aplicado a la danza.

Los cuerpos al despersonalizarlos con el traje, el diseño, el collage y la proyección de imágenes sobre ellos, serían liberados de sus propias formas, gracias al estudio de las características del espacio y los movimientos físicos de la cinética tomados del trabajo de Murray Louis.



"El bailarín es una parte más del universo, no es el centro. No importa cómo se mueva, importa desde donde se mueve.


En 1935 Hanya Holm escribió: "En la aproximación a la emoción, la danza alemana es fundamentalmente subjetiva y la americana es objetiva. El bailarín americano tiene tendencia a observar, a darse cuenta y a comenzar el universo que le rodea. El alemán toma como punto de partida su propia emoción. Ser y hacer, esa es la cuestión. Aproximación subjetiva y emocional que en el alemán colorea sutilmente la relación en el espacio: pareja, coacción, amenaza en todos los casos, el espacio es inevitable. Mientras que en el americano es ilimitado porque históricamente nada se ha opuesto nunca a la conquista de nuevos espacios y la relación no puede ser en ningún caso conflictiva".


Este análisis de Hanya Holm marcará toda la obra de Alwin Nikolais y cada una de sus piezas llevará esta vibración singular de cuerpo consciente de danzar en un espacio imaginado.



video





Marcel Marceau, mimo y actor francés.
El arte del mimo es el grito desgarrado del alma entre el bien y el mal con la esperanza de que el bien sea mayoritario “más famoso mimo del mundo”, “La mímica, como la música, no tiene fronteras ni nacionalidades”, “Nunca hagas hablar a un mimo. No se detendrá”, dijo alguna vez.
“¿Acaso los momentos más conmovedores de nuestra vida no nos encuentran sin palabras?”, preguntó en una ocasión.

"Siento que hice por la mímica lo que (Andrés) Segovia hizo por la guitarra, lo que (Pablo) Casals hizo por el cello”, dijo Marceau en una entrevista.

Según Marceau, “la palabra tiene más posibilidades de expresión; puede mentir, tener doble sentido y doble intención. El mimo debe sujetarse a un proceder claro y visible. No debe proponer enigmas. Debe ser inmediatamente entendido y atrapar al espectador por las formas, la belleza y el contenido del mensaje”.



“Cállense, que no se oye”



“El arte del mimo tiene que ser musical, incluso a través del silencio”.



“La evolución de mi arte consiste en la profundidad.”


“El arte del silencio hace madurar la reflexión de la gente.”

“El arte del mimo consiste en que el público comprenda el interior de ti, la mentira y la no mentira.”

“Aunque diferente, la historia humana siempre se repite.”



En 1947, Marcel Marceau creó su famoso personaje, "Bip" que comparó con un Don Quijote de la era moderna, solo, en un mundo frágil lleno de injusticia y belleza, un ser marcado por la sensibilidad y la poesía que le permitió explorar la sociedad moderna en su vertiente más trágica.



Con la cara blanca, ropa de payaso de anchos pantalones, una camisa marinera y una chistera vieja consigue dar dorma a su alter ego, de modo similar como hiciera Charles Chaplin, El Gran Genio del Mimo, que había revitalizado este arte del gesto desde finales de los años 40, y a quien admiraba fervientemente, con el vagabundo que protagoniza gran parte de sus obras.
Se inspiró para ello en los grandes actores del cine mudo, artistas silenciosos como Buster Keaton, Harry Langdon y sobre todo Charles Chaplin, por el que desde niño había mostrado admiración y al que le gustaba imitar.


Respecto al avance de la edad su pieza "Joven, maduro, anciano y muerte", un crítico ha dicho que "logra en menos de dos minutos lo que la mayoría de los novelistas no logran en volúmenes".


Algunos clásicos de su repertorio son: "El fabricante de máscaras", "El jardín Público", y el famoso "Adolescencia, madurez, vejez y muerte", del que un crítico dijo, "él logró en menos de cinco minutos lo que la mayoría de novelistas no hacen en volúmenes."



Con su compañía, produjo, dirigió y presentó 26 mimodramas, incluyendo "Pierrot de Montmartre", "The 3 Wigs", "The Pawn Shop", "14th July", "The Wolf of Tsu-Ku-Mi", "Paris laughs - Paris cries", y "Don Juan".



Marcel Marceau ha demostrado su versatilidad en cinematografía, tales como "Barbarella" con Jane Fonda, dirigida por Roger Vadim; "Shanks", dirigida por Bill Castle, en la que combina su arte del silencio interpretando a un titiritero sordomudo y a un científico loco parlante. En la película muda de Mel Brooks la única palabra que dijo fue ("No").

Los niños se han deleitado con "The Alphabet Book" y "Marcel Marceau Counting Book", entre otras publicaciones acerca de sus pinturas , poesías e ilustraciones.

¿Qué denuncian sus melodramas?


"La miseria, la violencia. Con la edad se han ido haciendo más profundos, más duros. Yo practico el mimodrama del silencio y sólo doy gritos de silencio, algo muy difícil de hacer en un mundo donde todos hablan como metralletas; a veces me siento como un artista contracorriente. El día que yo ya no esté, Bip será memoria viva y dará testimonio del siglo XX. Mientras tanto, como soy un simple mortal, mi papel consiste en estar al frente de la compañía y empujar a mis discípulos al frente."


¿Qué relación hay entre la pantomima y la danza?

"La pantomima y la danza son hermanas, pero ambas son un pretexto para mostrar la técnica del mimo o el bailarín. Ya era así en tiempos de la danza clásica, como en Sílfides. Cuando la pantomima relata una historia, también lo hace para mostrar las posibilidades físicas del mimo y su conocimiento estético. La pantomima se diferencia de la danza sólo en las reglas del juego. El bailarín flota en el aire, el mimo permanece en el suelo, por eso su arte lleva todos los caracteres del arte dramático: peso, profundidad, agitación externa e interna. Ambas artes se influyen mutuamente."


¿Qué tiene Marcel Marceau de Bip?

"Bip es un Quijote contemporáneo que se enfrenta a los molinos de la vida actual. Los rasgos específicos de Bip son abstractos, él vive en un mundo abstracto. Bip es seguramente una parte de mí mismo; nunca he sido un vagabundo como él, no he sido un bombero y tampoco he trabajado en un circo, pero he sido soldado como él y también he estado enamorado. Soy un testimonio de mi observación sobre la vida. En el fondo, Bip es como una enciclopedia sobre la historia de la humanidad que intento transmitir con este arte de mi cuerpo."

La gran figura del mimo francés afirmaba que "la palabra no es necesaria para expresar lo que se siente en el corazón".
-El mundo 24/9/2007-

































C harles Chaplin, actor, productor, escritor, director y compositor británico, el Gran genio del mimo confesó en su autobiografía:

"Era imposible mejor escuela para un mimo de la pantalla, pues la esencia del cine es el silencio, En mis films yo no hablo jamás. No creo que mi voz pueda añadir nada a cualquiera de mis comedias. Al contrario, destruiría la ilusión que quiero crear, la de una pequeña silueta que simboliza la extravagancia, de un ilusionista, no de un personaje real, sino una idea humorística, una abstracción cómica."

-Texto publicado originalmente en el Motion Picture Herald Magazine. New York. 1928-




Phillipe Soupault dijo de él :



"Ese hombrecillo que camina con los pies hacia fuera es, en cierto modo, el héroe de nuestro tiempo. Expresa una realidad viviente y resume el idealismo limitado de los hombres de hoy. Ante todo, Charlot debe esforzarse por vivir, y para eso es preciso que entre en lucha con todas las fuerzas sociales”


Un extracto de "El gran dictador", obra maestra llena de sátira, ironía y reafirmación sobre la figura de Hitler en el co hechas caricatura sobre la figura de Hitler en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, reza así :




"Realmente lo siento, pero no aspiro a ser emperador. Eso no es para mí. No pretendo regentar, ni conquistar nada de nada. Me gustaría ayudar en lo posible a cristianos y judíos..negros y blancos. Todos tenemos el deseo de ayudarnos mutuamente. La ente civilizada es así. Queremos vivir de nuestra dicha mutua...no de nuestra mutua desdicha. No queremos despreciarnos y odiarnos mutuamente."


Iniciando sus primeros pasos caracterizado en la figura del Dandy, pronto, incómodo ante tal tarea figurativa, cambió una elegante vestimenta de porte refinado y elegante, por un pantalón excesivamente ancho de Fatty, unos zapatos de 45 e Ford Sterling, una chaqueta estrecha de Bill Gilbert, un hongo pequeño de talla, un bastón de bambú y un bigotito de “cepillo”.



15 días después de su primera película, en “Kid auto races at Venice”, ya con ese disfraz, en lo que se refiere a su silueta, aún no en su carácter, está construido de manera definitiva.


En palabras del propio Chaplin:


Este vestido me ayuda a expresar mi concepción del hombre de la calle, de cualquier hombre casi, de mi mismo. El hongo, demasiado pequeño, es un esfuerzo por parecer digno. El bigote es vanidad. La chaqueta abrochada y estrecha, el bastón y sus maneras tienden a dar una impresión de galantería, de suficiencia, de descaro. Trata de enfrentarse arrogantemente al mundo, de farolear, y lo sabe. Tan bien lo sabe que puede burlarse de si mismo y compadecerse un poco de su suerte” .



video





"Un sombrero hongo, un bastón, unas botas viejas y, en el centro, esa compasión y esa bufonada, tan enormes, del constante fracaso del destino humano.Yo, ustedes, Él."
-Alexandre Arnoux-











Está por encima de cualquier elogio porque es el más grande. ¿Que otra cosa decir?. Es, en cualquier caso, el único cineasta que puede soportar sin ningún malentendido el calificativo tan equívoco de “humano”.Desde la invención del plano secuencia en “The Champion” hasta la del cinema-verité en el discurso final de “El Gran Dictador”, Charles Spencer Chaplin, aún permaneciendo al margen del cine, ha llenado en definitiva, este margen con más cosas (¿qué otras palabras se pueden emplear: ideas, gags, inteligencia, humor, belleza, gestos...?) que todos los cineastas reunidos.....Se dice hoy Chaplin como se dice Vinci, o mejor, Charlot como Leonardo. ¿Y que homenaje más bello se puede tributar a un artista de cine, en pleno siglo XX, que citar estas palabras de Rossellini después de ver “A King in New York”: “es la película de un hombre libre”.




















Fayard y Harold, "The show Stoppers" o "The Nicholas Brothers", son los principales exponentes del tap dancing de finales de los 30 principios de los 40. Su característica impronta retoma la expresión del cine mudo, el claqué, la danza, la música vaudeville, los ritmos negros del jazz, experiencias que quedaron reflejadas en su peculiar baile acrobático "flash dance", trabajado en ocasiones con Fred Astaire y Gene Kelly, entre 1914 y 1921.



video


Con este frenético baile culmina el post dedicado a Decoufflé y a todos aquellos en los que se inspiró, entre silencios, cuerpos, ritmos, movimientos y formas.