El escenario está circunscrito por los pasos lentos del propio andar de Chopinot, marcando un tiempo real.
"El ritmo de la respiración es un despertar gradual, balanceado, de un lado para otro, inhalando y exhalando, el cuerpo perdonándose y enterneciéndose."
"La piedra me ha mostrado algunas cosas sobre la estructura del crecimiento. He encontrado un energía en la piedra que puede ser mejor descrito, como una semilla que se convierte tensa como su réplica. A veces sólo necesitando el más brillante de los contactos para hacerle explorar y disperar sus partes. La precariedad del balanceo de la columna es como la fina arista entre la acción y el fallo, la tensión del crecimiento."
"Metódico, armonioso, la madera encuentra su lugar y me desplaza en sus anillos. Como mi abuela decía, trabajar es hacer lo inhacible. Végétal es el trabajo con madera. Madera es un elemento energético que se extiende sobrepasándome, pasando a través de mi, construyéndome. La memoria en mis celdas de los gestos que forman mi cuerpo de bailarin".
"Corografié "Leaf" como una escultura, con la energía de los bailarines como material. En un estado tormentoso, el cuerpo acepta el viento, es una mirada abierta hacia dentro. Torbellinos de cuerpos en círculos, cambiando hasta que caen. El árbol és desnudo, pierde su follaje, vuelve dentro de sí mismo. Completo."
La obra "La Danse du Temps", es una meditación sobre el tiempo y las simbólicas asociaciones con el agua, a través de años y generaciones, alteración, pérdida y renacimiento. El trabajo se compone de 3 partes:
El tiempo humano en la tierra, el tiempo del universo, el tiempo perdido, olvidado o ausente. La imagen del río y las percepciones del tiempo están constantemente presentes en todo el trabajo de Chopinot.
El río inspirado en Ton-That Tiet para volver a la música y los sonidos de su nativo Vietnam, de vuelta al río de los perfumes y las canciones de los barqueros en su infancia. Su resultado se refiere a los 3 tiempos, el lineal, el cíclico y el no tiempo.
El río inspirado en Andy Goldsworthy para crear el río sedimentado en el escenario del juego. La película de Goldworthy para generar este río es proyectada en el escenario. En la película, una pared de barro fluye para revelar el alma serpentina del curso del agua. Esta imagen dibuja la esencia del tiempo a través del proceso lento de su agrietamiento.
"Andar, correr, saltar, caer, trances y movilidades para crear una danza primaria, un trabajo en ritmos y entrecruzamientos de un modo a otro."
"Estoy profundamete interesado en como el cuerpo de los bailarines pueden portar la mayor de las expansiones que existen entre el tiempo real y la experiencia de la performance, situando la audiencia en una distinta percepción del tiempo, tanto que no son conscientes de si acaban de ver la performance hace 3 horas o sólo hace un segundo. Esta inconsciencia del tiempo me fascina."
Merce Cunningham, coreógrafo y bailarín estadounidense de danza moderna, lider del vanguardismo en la danza de su país, estudió folclore, claqué, bailes de salón y ballet. Conoció y trabajo con el compositor John Cage constituyéndose binomios fundamentales de los 60 y 70.
Por Cage, introdujo la filosofía zen en sus trabajos, el poder del azar , la importancia del movimiento al márgen de la música.
Colaboraban con compositores contemporáneos y con pintores vanguardistas como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Frank Stella.
Algunas de sus creaciones son "Suite por azar", 1952, "Cómo pasar, puntapié, caer y correr" 1965, "canfield" 1969. "Duetos" 1980, "Canales insertos" 1981 y "Entradas 2" 1984. alumno de martha graham.
"Mi vida ha sido una búsqueda constante de maneras de mirar y encontrar nuevas formas en el movimiento" afirmó Cunningham En 1955, Cunningham escribió en su libro The impermanent art que la devoción por bailar "no es otra cosa que un instantáneo y agradable acto de vida",
Explorador del movimiento "Root of an unfocus". Siguieron juntos más de cincuenta años, en un trabajo vital y enorme que abarcaba el experimento radical, el uso del silencio, la serialidad, la introspección especulativa y la multiplicidad de puntos referenciales en el espacio y en el tiempo. En 1944 crea "Four walls", que incluye textos y diseños de Arch Lauterer. Su primera pieza con un compositor moderno francés fue Idyllic song (Eric Satie).
Compositor, diseñador, coreógrafo y bailarín estadounidense, Alwin Nikolais, influenciado por el expresionismo alemán, centró su aprendizaje en el constante experimentar.
Inscrito en la danza moderna americana, fue el creador del llamado
"Teatro total", en el que sonidos, colores, formas y gestos ritualizan el ademán acompasado de los bailarines.
Obras como "Masks, props and mobiles" 1953, "Caleidoscopio" 1956, "Structures" 1970, etc. autor de un sistema de notación coreográfica llamado "Choroscript" 1957.
Trabajó como pianista de teatro y titiritero antes de estudiar danza moderna, hecho que influyó en la caracterización de las escenografías de sus obras, tales como "Tensile involvement", 1953; "Props and mobiles" 1953.
bailarines con bolsas como vestuario para descontextualizar sus cuerpos y tornarlos abstractos al espectador, situándose como el precursor del concepto de descentralización aplicado a la danza.
Los cuerpos al despersonalizarlos con el traje, el diseño, el collage y la proyección de imágenes sobre ellos, serían liberados de sus propias formas, gracias al estudio de las características del espacio y los movimientos físicos de la cinética tomados del trabajo de Murray Louis.
"El bailarín es una parte más del universo, no es el centro. No importa cómo se mueva, importa desde donde se mueve.
En 1935 Hanya Holm escribió:
"En la aproximación a la emoción, la danza alemana es fundamentalmente subjetiva y la americana es objetiva. El bailarín americano tiene tendencia a observar, a darse cuenta y a comenzar el universo que le rodea. El alemán toma como punto de partida su propia emoción. Ser y hacer, esa es la cuestión. Aproximación subjetiva y emocional que en el alemán colorea sutilmente la relación en el espacio: pareja, coacción, amenaza en todos los casos, el espacio es inevitable. Mientras que en el americano es ilimitado porque históricamente nada se ha opuesto nunca a la conquista de nuevos espacios y la relación no puede ser en ningún caso conflictiva".
Este análisis de Hanya Holm marcará toda la obra de Alwin Nikolais y cada una de sus piezas llevará esta vibración singular de cuerpo consciente de danzar en un espacio imaginado.
Marcel Marceau, mimo y actor francés.
“El arte del mimo es el grito desgarrado del alma entre el bien y el mal con la esperanza de que el bien sea mayoritario “más famoso mimo del mundo”, “La mímica, como la música, no tiene fronteras ni nacionalidades”, “Nunca hagas hablar a un mimo. No se detendrá”, dijo alguna vez.
“¿Acaso los momentos más conmovedores de nuestra vida no nos encuentran sin palabras?”, preguntó en una ocasión.
"Siento que hice por la mímica lo que (Andrés) Segovia hizo por la guitarra, lo que (Pablo) Casals hizo por el cello”, dijo Marceau en una entrevista.
Según Marceau, “la palabra tiene más posibilidades de expresión; puede mentir, tener doble sentido y doble intención. El mimo debe sujetarse a un proceder claro y visible. No debe proponer enigmas. Debe ser inmediatamente entendido y atrapar al espectador por las formas, la belleza y el contenido del mensaje”.
“Cállense, que no se oye”
“El arte del mimo tiene que ser musical, incluso a través del silencio”.
“La evolución de mi arte consiste en la profundidad.”
“El arte del silencio hace madurar la reflexión de la gente.”
“El arte del mimo consiste en que el público comprenda el interior de ti, la mentira y la no mentira.”
“Aunque diferente, la historia humana siempre se repite.”
En 1947, Marcel Marceau creó su famoso personaje, "Bip" que comparó con un Don Quijote de la era moderna, solo, en un mundo frágil lleno de injusticia y belleza, un ser marcado por la sensibilidad y la poesía que le permitió explorar la sociedad moderna en su vertiente más trágica.
Con la cara blanca, ropa de payaso de anchos pantalones, una camisa marinera y una chistera vieja consigue dar dorma a su alter ego, de modo similar como hiciera Charles Chaplin, El Gran Genio del Mimo, que había revitalizado este arte del gesto desde finales de los años 40, y a quien admiraba fervientemente, con el vagabundo que protagoniza gran parte de sus obras.
Se inspiró para ello en los grandes actores del cine mudo, artistas silenciosos como Buster Keaton, Harry Langdon y sobre todo Charles Chaplin, por el que desde niño había mostrado admiración y al que le gustaba imitar.
Respecto al avance de la edad su pieza "Joven, maduro, anciano y muerte", un crítico ha dicho que "logra en menos de dos minutos lo que la mayoría de los novelistas no logran en volúmenes".
Algunos clásicos de su repertorio son: "El fabricante de máscaras", "El jardín Público", y el famoso "Adolescencia, madurez, vejez y muerte", del que un crítico dijo, "él logró en menos de cinco minutos lo que la mayoría de novelistas no hacen en volúmenes."
Con su compañía, produjo, dirigió y presentó 26 mimodramas, incluyendo "Pierrot de Montmartre", "The 3 Wigs", "The Pawn Shop", "14th July", "The Wolf of Tsu-Ku-Mi", "Paris laughs - Paris cries", y "Don Juan".
Marcel Marceau ha demostrado su versatilidad en cinematografía, tales como "Barbarella" con Jane Fonda, dirigida por Roger Vadim; "Shanks", dirigida por Bill Castle, en la que combina su arte del silencio interpretando a un titiritero sordomudo y a un científico loco parlante. En la película muda de Mel Brooks la única palabra que dijo fue ("No").
Los niños se han deleitado con "The Alphabet Book" y "Marcel Marceau Counting Book", entre otras publicaciones acerca de sus pinturas , poesías e ilustraciones.
¿Qué denuncian sus melodramas?
"La miseria, la violencia. Con la edad se han ido haciendo más profundos, más duros. Yo prac
tico el mimodrama del silencio y sólo doy gritos de silencio, algo muy difícil de hacer en un mundo donde todos hablan como metralletas; a veces me siento como un artista contracorriente. El día que yo ya no esté, Bip será memoria viva y dará testimonio del siglo XX. Mientras tanto, como soy un simple mortal, mi papel consiste en estar al frente de la compañía y empujar a mis discípulos al frente."
¿Qué relación hay entre la pantomima y la danza?
"La pantomima y la danza son hermanas, pero ambas son un pretexto para mostrar la técnica del mimo o el bailarín. Ya era así en tiempos de la danza clásica, como en Sílfides. Cuando la pantomima relata una historia, también lo hace para mostrar las posibilidades físicas del mimo y su conocimiento estético. La pantomima se diferencia de la danza sólo en las reglas del juego. El bailarín flota en el aire, el mimo permanece en el suelo, por eso su arte lleva todos los caracteres del arte dramático: peso, profundidad, agitación externa e interna. Ambas artes se influyen mutuamente."
¿Qué tiene Marcel Marceau de Bip?
"Bip es un Quijote contemporáneo que se enfrenta a los molinos de la vida actual. Los rasgos específicos de Bip son abstractos, él vive en un mundo abstracto. Bip es seguramente una parte de mí mismo; nunca he sido un vagabundo como él, no he sido un bombero y tampoco he trabajado en un circo, pero he sido soldado como él y también he estado enamorado. Soy un testimonio de mi observación sobre la vida. En el fondo, Bip es como una enciclopedia sobre la historia de la humanidad que intento transmitir con este arte de mi cuerpo."
La gran figura del mimo francés afirmaba que "la palabra no es necesaria para expresar lo que se siente en el corazón".
-El mundo 24/9/2007-
C harles Chaplin, actor, productor, escritor, director y compositor británico, el Gran genio del mimo confesó en su autobiografía:
"Era imposible mejor escuela para un mimo de la pantalla, pues la esencia del cine es el silencio, En mis films yo no hablo jamás. No creo que mi voz pueda añadir nada a cualquiera de mis comedias. Al contrario, destruiría la ilusión que quiero crear, la de una pequeña silueta que simboliza la extravagancia, de un ilusionista, no de un personaje real, sino una idea humorística, una abstracción cómica."
-Texto publicado originalmente en el Motion Picture Herald Magazine. New York. 1928-
Phillipe Soupault dijo de él :
"Ese hombrecillo que camina con los pies hacia fuera es, en cierto modo, el héroe de nuestro tiempo. Expresa una realidad viviente y resume el idealismo limitado de los hombres de hoy. Ante todo, Charlot debe esforzarse por vivir, y para eso es preciso que entre en lucha con todas las fuerzas sociales”
Un extracto de "El gran dictador", obra maestra llena de sátira, ironía y reafirmación sobre la figura de Hitler en el co hechas caricatura sobre la figura de Hitler en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, reza así :
"Realmente lo siento, pero no aspiro a ser emperador. Eso no es para mí. No pretendo regentar, ni conquistar nada de nada. Me gustaría ayudar en lo posible a cristianos y judíos..negros y blancos. Todos tenemos el deseo de ayudarnos mutuamente. La ente civilizada es así. Queremos vivir de nuestra dicha mutua...no de nuestra mutua desdicha. No queremos despreciarnos y odiarnos mutuamente."
Iniciando sus primeros pasos caracterizado en la figura del Dandy, pronto, incómodo ante tal tarea figurativa, cambió una elegante vestimenta de porte refinado y elegante, por un pantalón excesivamente ancho de Fatty, unos zapatos de 45 e Ford Sterling, una chaqueta estrecha de Bill Gilbert, un hongo pequeño de talla, un bastón de bambú y un bigotito de “cepillo”.
15 días después de su primera película, en “Kid auto races at Venice”, ya con ese disfraz, en lo que se refiere a su silueta, aún no en su carácter, está construido de manera definitiva.
En palabras del propio Chaplin:
“Este vestido me ayuda a expresar mi concepción del hombre de la calle, de cualquier hombre casi, de mi mismo. El hongo, demasiado pequeño, es un esfuerzo por parecer digno. El bigote es vanidad. La chaqueta abrochada y estrecha, el bastón y sus maneras tienden a dar una impresión de galantería, de suficiencia, de descaro. Trata de enfrentarse arrogantemente al mundo, de farolear, y lo sabe. Tan bien lo sabe que puede burlarse de si mismo y compadecerse un poco de su suerte” .
"Un sombrero hongo, un bastón, unas botas viejas y, en el centro, esa compasión y esa bufonada, tan enormes, del constante fracaso del destino humano.Yo, ustedes, Él."
-Alexandre Arnoux-
Está por encima de cualquier elogio porque es el más grande. ¿Que otra cosa decir?. Es, en cualquier caso, el único cineasta que puede soportar sin ningún malentendido el calificativo tan equívoco de “humano”.Desde la invención del plano secuencia en “The Champion” hasta la del cinema-verité en el discurso final de “El Gran Dictador”, Charles Spencer Chaplin, aún permaneciendo al margen del cine, ha llenado en definitiva, este margen con más cosas (¿qué otras palabras se pueden emplear: ideas, gags, inteligencia, humor, belleza, gestos...?) que todos los cineastas reunidos.....Se dice hoy Chaplin como se dice Vinci, o mejor, Charlot como Leonardo. ¿Y que homenaje más bello se puede tributar a un artista de cine, en pleno siglo XX, que citar estas palabras de Rossellini después de ver “A King in New York”: “es la película de un hombre libre”.
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